x4基石希望之歌任务(x4基石)

重逢、会面与在场，一定是本届米兰设计周的关键词。在世界秩序全面恢复的当下，本届米兰设计周，时尚界与家具界依旧融合的蒸蒸日上。设计师、创意人与媒体人在一周内从全球奔赴而来欢聚一堂。

米兰的城市街道如同毛细血管，人流交错织出一张网络，将各个设计场所、店铺、画廊、美术馆、展览馆与公共空间牵连。即便持续一周，分散在城市各处的展览也很难在一周内被尽收眼底。米兰，依旧是现代设计的聚集地，紧密团结着构成设计产业的不同群体。

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Dior

路易十六风格的椭圆背椅，也被称为奖章椅（Medallion Chair），深得Christian Dior先生的钟爱，亦是迪奥的标志。2022年，作为迪奥与Philippe Starck的首次合作，这位享誉国际的设计大师以其天马行空的创造语言和对文化的敏锐视角，倾力打造了二十四款匠心独运的“迪奥小姐”(Miss Dior) 椭圆背椅，焕新重塑这一品牌经典。就“迪奥小姐”椅，Starck呈现椭圆背椅被简化至极致后的骨架、精髓和空灵神韵，并通过可回收铝与最高水准的智能铸模技术和最现代的注料工艺，实现其打造“完美座椅”的梦想。

在此基础之上，今年，迪奥再度携手Starck开启全新探索：“迪奥小姐甜心”（Miss Dior Sweet）椅、“迪奥先生”（Monsieur Dior）椅与餐桌、脚凳等一系列家具单品共同组成系列家族，而此新系列与设计师对“永恒性”的追求一脉相承，正如他所强调的那样， “永恒（timelessness）是最具现代性的生态学词汇，而完美品质是奢华的唯一定义”。

W＊：你强调对永恒的追求，“迪奥小姐”椅通过进入椭圆背椅的骨架实现永恒，那么对于不再只是骨架的新系列作品来说，永恒的标准又是什么？

Philippe Starck：第一代椅子是寻找灵魂，并将其完美塑造。但活着的我们是肉身的存在，而我们的肉体也在寻求肉体。如果说“迪奥小姐”是哲学或理论，那么新系列则是有关人性的叙述。

W＊：从“迪奥小姐”椅到“迪奥先生”扶手椅等新作，你在扩展已有产品时的创作过程是怎样的？

Philippe Starck：这一过程并不容易，尤其是对我而言，我很容易对一个题材失去兴趣。但就“迪奥小姐”椅，要将其扩展为一个家庭的想法自一开始就非常明确。如果说“迪奥先生”（Monsieur Dior）椅是迪奥先生本人，那么“迪奥小姐甜心”椅就像其妹妹Catherine，餐桌犹如母亲，而脚凳就像是家中的孩童。另外，织物的加入为整个新系列带来了柔软、亲密的温馨之感。

W＊：此次在齐特里奥宫展厅中，音乐装置非常震撼，可以与我们聊一聊吗？此外，音乐在你的日常生活中是怎样的存在？

Philippe Starck：展厅中的音乐装置有关情感的激发与抒发，由漫步乐团（Soundwalk Collective）的Stephan Crasneanscki与Simone Merli为场景量身打造，他们是我多年的合作者，为我创作的24小时混音STARCK 24H Mix我已经听了20多年。音乐在我的生活中无所不在，是我漫长、孤独的工作时光中的最佳陪伴，我也会根据所需要的工作强度和节奏去选择不同的音乐。

Poliform

Poliform呈现全新户外系列，重新诠释人、自然与景观之间的联系。受基于空间流动性的现代生活方式之启发，由Jean-Marie Massaud、Emmanuel Gallina、Marcel Wanders和Soo Chan共同打造的新系列，将Poliform优雅、永恒的风格和卓越的设计延展至户外空间。

设计周期间，Poliform在位于米兰市中心的San Simpliciano教堂内推出特别展览项目《PERCEZIONI • 感》。这座建于四世纪末的古老建筑，与火山岩石铺就的回廊中央空间，以及Caterina Barbieri特别创作的实验交响乐对话，所营造的感官之旅，成为户外系列中精品家具深色系款式的展陈环境。而设计师们对“户外”概念的不同诠释，以Poliform对现代经典的愿景为线索，撰写出关于优雅、自然与材质的诗意叙事。

其中，对法国设计师Emmanuel Gallina来说，创意的表达意味着提升我们周遭事物的性能。他说：“户外的概念在我的脑海中一点一点建立起来，我的第一步是真正地去观察自然，寻找那些难以察觉的细节，并在作品中进行重新诠释。”Gallina的新系列不仅是对自然的简单模仿，更在对线条、体量、比例、纹理和质感的深度探索中，塑造出了文化与社会的集体意识原型。Strata矮桌兼具雕塑质感，呼应独特的矿岩景观。Monolith餐桌则带我们进入古老的巨石世界，唤起对静默与永恒的沉思，餐桌底座造型庄严、厚重，而弧形边缘替代棱角分明的线条，又塑造出柔和温润的视觉效果。Magnolia沙发与太阳床则将树枝的优雅及其有机、空灵的流动感放大，在户外景观中以优雅、谦逊的姿态完美地与自然融合。

“走向户外,对我意味着什么？”Jean-Marie Massuad以这个问题作为创作出发点，通过Ketch系列和Crew系列给予回答，“户外生活关乎舒适、慵懒，当然还有一种自然优雅的状态。”Ketch系列以航海世界为灵感，这些沙发和扶手椅的灵活靠背模块就像在两根桅杆之间自由伸展的帆；而Crew系列将古老的陶瓷艺术转化为一系列体量宽大且视觉原始自然的咖啡桌。另外，驻新加坡马来西亚建筑师兼设计师Soo Chan 则将Soori系列延伸至户外,他所打造的这款拥有休闲外观的圆形沙发床仿佛一个户外“岛屿”，在这里人们可以完全舒适地享受户外的空气。

Louis Vuitton

今年米兰设计周期间，荷兰设计师Marcel Wanders也带来了他为Louis Vuitton Objets Nomades设计的全新灯具系列“Capeline”，Wanders曾与品牌展开了多次合作，每个设计都巧妙地将他的设计语言与品牌的工艺传统融合在一起。“Capeline”的造型灵感源于经典的女士宽檐帽，帽檐化作了色泽淡雅的磨砂质地玻璃，大小不一的三层结构堆叠在一起。由捷克玻璃工匠手工制成的灯罩拥有飘逸灵动的线条，好似被清风吹拂，不断旋转着，柔和地笼罩着置于灯罩内部的LED光源，而同系列的壁灯也以相似的形式组合而成，让错落有致的弧形线条在墙面绽放。

设计师Marcel Wanders

W＊：能否为我们简单介绍一下您为Louis Vuitton Objet Nomades设计的最新系列灯具新产品“Capeline”？

Marcel Wanders：我们希望提取帽檐的线条，让它变成灯罩。在这件作品里，你可以看到玻璃与灯光的关系，弧线造型让材料的质地被凸显出来，像是在舞动着。我认为这件作品的美感来源于造型与光线的结合，营造出一种充满变化的视觉感受。

W＊：您近年来曾多次与Louis Vuitton Objets Nomades展开了合作，您每一次是如何找到新的视角去展开创作的？

Marcel Wanders：我没有在刻意的寻找新的方向，而是试图让我们合作的产品保持一种统一性。我不断在自己的设计风格上进行延续，用不同的物件打造一个完整的故事。而我们每次的设计都是不同类型的尝试，更像是在打造一幅完整的拼图。

W＊：在为品牌设计一个新的产品的设计过程中，您最注重哪一方面？

Marcel Wanders：对我而言，最重要的是平衡品牌的风格和我们设计语言之间的关系。如果我们把产品比作孩子，那么品牌的特点就像是产品的父亲，而我们的设计风格就像是妈妈。我们一起来孕育一件产品，将不同的特质和谐的结合在一起，产生新的可能性。

Technogym

Technogym作为过去八届奥运会和全球运动冠军的官方供应商，Technogym将充分发挥品牌的独特优势，让设计与运动相遇。在本届米兰设计周上，品牌发布Technogym Run，是首台可用于在家中进行有氧运动和力量训练的跑步机，并且搭载了丰富的训练计划和内容。Technogym Run传承了Technogym三十年积累的健身和运动经验。它的品质和技术无可挑剔，支持各类锻炼活动：从跑步，到力量训练，再到bootcamp。用户可通过Technogym Live控制台选择各种训练计划和模式，按需选择自己喜欢的训练体验，其中包括教练指导的课程、遵循特定目标的常规项目，以及虚拟的沉浸式户外锻炼，而这种户外锻炼模式能够适应用户的跑步速度并根据所选路线调整坡度。此外Technogym Run的超级静音的低能耗特征，更加适合家庭环境中使用。

IKEA

在宜家八十周年之际，宜家在米兰设计周上以“美好未来 共同组装”为题策划展览。展览现场Nytillverkad霓特浮德系列的首次亮相，致敬宜家经典设计，并展出与摄影师Annie Leibovitz合作的主题展览影片与其肖像摄影作品背后的故事。除了回顾其精彩历史，宜家产品风格特征负责人Karin Gustavsson和宜家设计经理Johan Ejdemo与我们分享了该系列成型的幕后故事，而创意总监Marcus Engman则带我们深入到宜家更丰富多彩的未来中。

Karin Gustavsson宜家产品风格特征负责人（右）& Johan Ejdemo宜家设计经理（左）。

W＊：你们从宜家的庞大档案中选择了许多经典款式，面对历史悠久的宜家品牌，你们是如何做出这些选择的？

Karin Gustavsson & Johan Ejdemo：我们确实有一个很长的清单，我们想要为宜家带来独特的产品，引入大胆的颜色和简约风格，并使其易于今天使用。有些产品在今天很难开发，有些产品由于这样或那样原因今天无法再做了。所以这是一种平衡。但很多产品的选择都与我们如何将过去带入现在并推进未来有关，同时也与我们如何制造这些产品有关。尽管这个系列的选择是有时间上的考虑，为了尽快开始，以后会有更多时间去做其他事情，但这已经是一个非常好的开始。

W＊：为什么想要在一个品牌内开始一个艺术项目，一个艺术驻留计划？似乎设计产业中并没有很多这样的艺术项目。

Marcus Engman：设计界缺少艺术项目我认为这是个遗憾。尽管艺术和设计不是同一件事情，但它们都吸引着有创造力的人。这也给了人们在阐释事物时的艺术自由。这很重要，因为你需要始终以新鲜的眼光看待事物，这就是与Annie Leibovitz合作的初衷。对于这个有着80年历史的公司来说，缺陷就在于很容易失去好奇心，认为自己拥有所有的解决方案。因此，不断引入新的灵感和挑战自己是非常重要的。对于我们来说，将一位也许是我们这个时代最好的摄影师之一引入，让我们通过她的镜头看到她在人们家中捕捉到的和人们实际生活相关的东西，这让我们再次活力满满，也让我们更容易与世界各地的人产生共鸣。就是这么简单。再次强调，这不是因为她很有名，而是关于我们想要实现的事情。

Hermès

继2022年的“轻快Lightness”主题演绎之后，爱马仕家居系列回归La Pelota Jai Alai，诠释源于仿古意识、自然活力与极简主义的视觉美学。家具、餐瓷、地毯、毛毯、台灯，在颜色、形态与材质的碰撞中激活全新的极致感官体验。爱马仕织物总监Florence Lafarge为我们将爱马仕以天然材料为灵感、藉由专业工艺缔造经久不息现代物件的品牌传统与愿景娓娓道来。

W＊：去年，爱马仕打造了四座水塔造型的建筑作为展陈空间，令人印象深刻。今年的布景仿佛一个由钢筋与混凝土组合而成的几何框架或舞台，这种极简的原生形态似乎更能强调整体性。能否与我们分享其灵感？

Florence Lafarge：场景设计由爱马仕家居艺术总监场Charlotte Macaux Perelman完成的，其所强调的整体的物质性与钢筋混凝土构成的图形性，让人联想到建筑过程、编织，以及铺设砖块或木板的方式。我认为它所呈现的是针对不同材料的处理和实施。此外，作为一个贯通的场域，我们能同时看到展陈的一切物品，包括瓷器、家具、地毯、织物、小饰品等，像这样把材料和材料的对比联系起来很有意思。

W＊：马术元素是爱马仕标志性的经典语言，也贯穿于此次家居系列之中，最直观的自然是以马术障碍赛为灵感的餐瓷。能与我们聊一聊马术元素在织物作品中呈现及其背后的技艺吗？

Florence Lafarge：Casaque指的是骑师们穿着的丝质衫，有着大胆的图形元素和色彩组合，爱马仕在上个世纪收藏了百余件。此次的CASAQU’ÉCHIQUIER格纹织物便从品牌的这一收藏档案中汲取灵感，使用多梭织机工艺，经手工纺纱和手工编织精制而成。ARÇON、OXER、PARCOURS这三款地毯的图案汲取自艺术家Pierre Charpin的绘画作品，分别呈现了鞍马、围栏栏杆、赛马场和马头的元素，所彰显的Cordélie系列棱纹编织工艺，通过精准地将棉线绣于亚麻底布营造出细腻丰富的材质效果，并且这种手工刺绣的标志性纹理质地是为爱马仕所独有的。

W＊：使用有机材料已成为众多奢侈品牌生态意识的重要部分，请问爱马仕在这一领域的侧重点是什么？

Florence Lafarge：我们的责任是尊重材料的使用，我们根据材料的天然品质与特性做出使用的选择，并在产品中彰显其自然之美。当前项目，我们尽量不混合材料，在绵、羊绒、羊毛等的处理上追求纯正，并尽可能得延长产品的持久性。

W＊：在您看来，哪些要素构成了理想的纺织品？

Florence Lafarge：我认为理想的纺织品不局限于装饰性。在爱马仕，设计与具有超越性的手工技艺相遇。设计绘图并非为了绘图而存在，设计必须服务于技艺的表达。此外，理想的纺织品将是足够抽象的，可以完美融入任何风格的室内空间，同时亦能让人们一看就明白我们想要讲述的故事。

Giorgetti

Giorgetti CEO Giovanni del Vecchio

W＊：The Place作为品牌设计体验和研究的空间，这个命名背后有什么故事可以分享？

Giovanni del Vecchio：我们希望我们的顾客和品牌对于这个建筑有一个全新的认识，它不仅仅关于家居家具，它关乎艺术、音乐以及与美相关的一些事物。从一进门的香味、厨房区域准备的小食等，这种体验感都是水到渠成，让人感觉宾至如归。这一切也都是关于意大利之美。而美无国界，放眼全球、亚洲甚至中国，一直有着悠久的历史，对于美的不懈追求和对与手工技艺的传承探索。

W＊：我在这个空间里看到一些品牌非常标志性的单品，这些产品如何融入The Place？

Giovanni del Vecchio：这正是 Giorgetti 不同于其他品牌的地方。我们的作品不是简单的堆砌，我们不会在我们的系列中添加互相没有联系的作品。你在这里看到的任何作品，都是围绕美的概念设计出来的；这就是Giorgetti与其他品牌的不同之处。你甚至可以在每一层楼都看到有趣的东西；你在 十年前、十五年前设计的产品；与今年或去年设计的产品有非常清晰的关联。因为它们都符合Giorgetti品牌的元素。

W＊：今年是 Giorgetti 成立125周年。我想知道这个品牌准备在未来如何实现传统与现代的结合？

Giovanni del Vecchio：说实话这很容易。因为我们的品牌在不断发展的同时也始终贯彻品牌的DNA。我们的品牌DNA是关乎艺术、质量，以及对细节的狂热。你可以看看我们产品的细节，边缘，我们在某些物品上的雕刻程度。我们的产品结合了手工艺和现代技术；我们这个品牌总是探索新的边界。所以做到传统与现代的平衡并不难。我们有125 年的历史，我们始终坚持自己的传统。

W＊：疫情后你们在中国市场有什么新的策略？

Giovanni del Vecchio：我们对中国市场的愿景是这样，我们已经意识到，中国客户越来越欣赏美，欣赏每件产品背后的细节。并且关注新产品使用的材料和环保性。我们认为越来越多的中国客户正在意识到这一点；他们想要根据他们的品味和生活质量进行空间设计和定制；他们想要能展现他们生活方式的与众不同的产品。所以这不仅仅是购买一种产品，而且是购买一种可以让你在家中享受生活方式的产品。Giorgetti 的这种量身定制做法完美匹配市场的需求。我们正在不断地开拓新店，它们也许不像Giorgetti Spiga这里那样独特，但新店能够向客户展示我们的设计。相信他们可以拥有一个符合他们的品味、需求和生活理念的设计，从而使他们的房子与众不同。

Paola Lenti

在米兰北边的一处隐秘花园里是Paola Lenti的全新展厅，Paola Lenti用细腻的布景带我们领略了品牌最新的室内和户外家具系列，让人们沉浸在自然与人造工艺的交织中。

设计师Paola Lenti

W＊：您能告诉我们这次米兰展览背后的灵感和概念，以及您如何实现这一愿景的吗？

Paola Lenti：最重要的是找到一个带花园的场地，一个大花园，因为我的系列灵感来自自然，而自然是展示室外系列的最佳方式，所以花园是这个展览的起点。在米兰找到这样一个带有巨大花园的场地比较困难，所以我们花了一些时间才找到合适的地点。我不想要传统的销售空间，我想要一个人们能感觉自在的地方，而不是商业环境。我想要的是一些能真正联系到Paola Lenti的理念，并让人们感觉舒适的东西。

W＊：在展出的这些新系列，我们看到了许多有趣的材料应用，可否与我们分享。

Paola Lenti：Paola Lenti有两个方面，第一个更传统，如手工制作等，这些为产品赋予灵魂；第二个是工业化技术方面，因为产品需要承受长时间的户外使用，因此必须保持稳定、使用寿命长。但我真正想要的是让产品拥有自己的灵魂，所以我希望将这两个方面融合在一起，这就是这些家具系列背后的想法。

Turri

Turri CEO Andrea Turri

今年米兰家具展期间，由Paola Navone为Turri Design设计的全新Azul系列产品已然发生演变。在该系列中，由Turri和Paola Navone共同选择的暖色系表达了家居的全新理念，沿着意大利高级时装的脚步并与Navone的现代设计风格相应。色彩作为最为吸睛之处，与天鹅绒的材质相结合，自然显露其风格多变性。颜调与材质对比轻松地呈现于各类家居饰品上，并为整个空间塑造带来了独特而个性化的体验。此次设计周期间，卷宗也有幸与Turri品牌CEO Andrea Turri对话。

W＊：首先恭喜Turri Design的推出，非常好奇Turri Design未来的方向会是如何？

Andrea Turri：首先，现在全球对家具的审美在发生一些变化，消费者越来越看重现代化的家具。社交媒体的多元化和发展让大家讯息传递也变得也就来越快。其次，我们现在在思考如何更加吸引年轻客群，特别是中国年轻人。他们有着国外的留学背景，回国后他们喜欢更加现代视野的东西。所以我们现在特别看重现代化、年轻感的设计，在色彩的运用上大胆鲜明，这就是落脚在“Design”，也是我们成立Turri Design的原因。

W＊：你刚刚提到消费者审美的发展，当下对于设计家具的诉求有什么变化？

Andrea Turri：越来越注重细节。以前消费者只关注第一眼的感觉，对于外形诉求比较高。现在大家更看重这个产品的品质和稀缺性。特别在颜色的把控上，以前多为米色、棕色、黑色的选择，现在更加大胆和鲜艳，可以第一眼就让人印象深刻。另外就是对于经典设计的再版演绎和创新，大家会关注设计产品背后的设计师和设计故事。

W＊：你对于中国市场的预期是什么？

Andrea Turri：一切都在恢复，中国永远是最高效的。但我认为还需要一些时间去恢复，这个市场还需要一年的时间去调整，我预期在2024年能恢复正常。

Mutina

米兰设计周之际Mutina展出其围绕陶瓷的全新实验，与Patricia Urquiola的Mater、Chamotte和Jali，以及和Mutina-Michael Anastassiades的Fringe。十多年来，Mutina代表了一种陶瓷材料的新方法，并且在功能中将设计与当代艺术融合构成品牌DNA。在“ Mutina for Art ”项目中，品牌与建筑师、艺术家、设计师展开密切合作，打破陶瓷表面上的限制与传统，寻求高质量的产品与最纯粹的美。

Patricia Urquiola设计的全新瓷砖

W＊：瓷砖是一个关于“facade”的实验，在这个相对平面的设计限制之下，您是怎么理解瓷砖设计的，和以往的产品设计逻辑是否有什么不同？基于和Mutina的合作，你是否有什么特别的设计可以和我们分享？

Patricia Urquiola：说实话，我不认为用陶瓷工作有什么限制，我认为它们是微观的建筑。用陶瓷工作需要很多耐心，很多想象力，批评和自我批评。陶瓷是一种多功能的材料，适应性强，而且非常耐看。它是一种材料，你可以做很多工作，通过技术和工艺，试图改进它们。例如，今年我们与Mutina一起推出了“Mater”，一个工业系列，它传递了与手工产品相同的感觉，一个独特的表面，浮雕的光泽装饰，未完成的状态。我们花了三年的研究才走到这一步。

Mutina-Michael Anastassiades：瓷砖与空间和建筑直接相关。事实上，它是一个表面，而一个表面占据了空间或包裹了空间。突然间，你可以用一种材料包裹一个空间，这个想法改变了你对空间的感知，它变得虚幻。特别是Mutina的Fringe系列和这个 “变化的模式\"，即使使用单一的颜色也能创造一个梦幻的空间。

W＊：瓷砖的材质与肌理是否有什么新的趋势与变革？是否早已突破我们瓷砖的刻板印象？

Patricia Urquiola：我不喜欢趋势，我不太相信它们。我认为今天我们都在努力制造更持久的产品。为再生之美寻找一种新的语言，不断扭转丑陋和美丽之间的关系。我认为这就是我们希望今天能看到的变化。

W＊：当在空间中使用瓷砖，是一个以小聚多的过程。在您的设计时，您通常是考虑细节还是站在更大的整体性上去看设计？

Patricia Urquiola：我是一名建筑师和设计师，在不同的尺度上工作有助于我想象一个空间中的物体。当我创作时，我会寻找那个特定地方的意义，每次都不一样。我用设计理念来解决建筑需求。与我合作的设计公司要求我们为他们创造建筑、装置、展台和展厅。所以，我倾向于站在展位的整体视角，看更大画面中的细节。

Mutina-Michael Anastassiades设计的全新瓷砖

W＊：您认为瓷砖在一个空间里是如何成为空间设计的一部分的？是否也和建筑空间一样会影响人们的体验和感受？

Mutina-Michael Anastassiades：瓷砖与空间和建筑直接相关。事实上，它是一个表面，而一个表面占据了空间或包裹了空间。突然间，你可以用一种材料包裹一个空间，这个想法改变了你对空间的感知，它变得虚幻。特别是Mutina的Fringe系列和这个 “变化的模式\"，即使使用单一的颜色也能创造一个梦幻的空间。

Occhio

米兰设计周期间，Occhio将在赫赫有名的内奇·坎皮利奥别墅（Villa Necchi Campiglio）的玻璃展馆中以“全新视野 —— 一场沉浸式体验”为主题为人们带来对光之未来的深刻见解。参观者们可以共同期待一场独特的多感官体验及新品展示。这个超凡的空间，为所有感官带来震撼人心的体验——沉浸于内奇别墅的绿洲中，远离城市的喧嚣。“对我来说，光是纯粹的情感。通过“全新视野”，我们创造了一种专门针对这些感受的体验。Occhio的创始人兼设计师Axel Meise说：“这是一个人们可以体验以光唤起深层情感的展览。”

“全新视野”象征着开辟全新的、未知的、超越我们想象的全新领域，使人们能够接触到它，并将它转化为现实。在内奇·坎皮利奥别墅的玻璃展馆中，Occhio将全新的光之世界从想象变为现实。多感官体验唤醒了参观者的所有感官，并调动了他们的情绪。在Occhio，“全新视野”的理念远远超出了展会本身，它代表着势不可挡的创新动力，永远求新求变，永不止步。

此外，Occhio推出全新Luna系列，成功地将经典设计、迷人饰面与创新性照明技术结合并体现于这一整体化的系列之中。Luna是第一个采用 Occhio 自己的专利光源“火球”的系列。镜面玻璃球内的“火球”创造出柔和、无眩光但具有神奇效果的定向光。打开时，“火球”如月亮一样漂浮在灯具中。

Armani/Casa

今年的米兰设计周见证了许多“首次”，隐藏在建筑高墙内的秘密花园——或是最富意式魅力真正的置景，成为了设计与公众、城市、自然展开诗意对话的场所。Giorgio Armani首次向公众开放品牌总部、历史悠久的奥尔西尼宫 (Palazzo Orsini)，邀请参观者经由17世纪的门廊庭院步入隐秘花园，穿过举办高级定制时装秀的壁画房间，追随着Giorgio Armani第一视角真诚的沟通，逐一探赏ARMANI/CASA 2023家居系列的全新设计。

其中的绝对焦点是SOFIA座椅、ANTOINETTE梳妆台和CAMILLA书桌，这些焕现新意的限量作品，于意大利手工制作，以贝母质感的瓷砖在整个表面铺陈马赛克图案，造就梦幻效果的纹理图案，不断定义Armani美学崇尚的东方灵感，藉由精湛技艺得以传达，从妙不可言的融合中感知装饰艺术之韵。

正如Giorgio Armani所说的那样:“无论是时尚还是设计，我都不懈地追求材料的筛选与手工技艺之间的平衡。米兰国际家居展期间，品牌开放历史悠久的总部，在如此私密的环境中向公众揭晓全新Armani/Casa系列，旨在突出这一寻求平衡的过程。这也彰显出产品的多样性，在顺应时节的同时，着眼于户外家具和制作精良的家居陈设所采用的精美材料。”

B&B Italia

B&B Italia用一个崭新的室内设计以展现其全新2023系列。基本的几何图形、波点元素与色彩将店铺空间定义为一个三维几何实体，为新产品提供了一个令感官体验意想不到的呈现。B&B Italia艺术总监Piero Lissoni说：“我们希望尊重B&B Italia的创意DNA及其多种语言，这是对其设计体系强大把控能力的致敬。B&B Italia以其创造的经典而闻名，但同时也总是能够给人惊喜，如同今年一样。”

设计师Monica Armani

W＊：建筑师和产品设计师的双重身份，在为一个空间设计家具时，您是如何考虑空间与家具的结合的？

Monica Armani：起初我是一名建筑师，但只进行了近十年的建筑实践，随后和我的丈夫一起决心转变方向进行一种更为国际化的设计工作。但在设计产品中依旧有着建筑师的心态，比如我使用的模块化。我喜欢有机的形状，无论是建筑还是椅子，我都将有机的形式结合。每一个细节都不该因为太小而被忽视。我努力创造机会，让每一个细节都能很好地结合在一起。我把这些称为设计分子，这是我的哲学。这意味着，每一个物体或每一栋建筑，都由分子构成，我试图让它们以最好的方式一起成长。

W＊：作为一名女性设计师，是否有一些话可以给同样在设计领域里女性分享？给她们是否有什么建议？

Monica Armani：我承认设计界看起来似乎更加男性化，但女性可以在项目中发挥创造性的部分，这是很特别的。所以不必害羞，倾尽我们的力量。发挥创造力，与好的技术部门合作，努力保护好项目。如果你有想法就不必害羞，我认为女性设计师都有一种特别的感觉，我确信当她在一个项目上工作时，我们就会看到不同。

设计师Kensaku Oshiro

W＊：东方的文化背景和在欧洲进行实践，两种文化对你来说意味着什么？这种文化结合是如何展现在你的设计上的？

Kensaku Oshiro：1996年我19岁的时候从日本来到米兰。虽然我在日本成长，收获文化与教育，但对我来说意大利才是我职业生涯的一切。发现差异总是对我有帮助，不同文化、不同解决办法，让我在脑海中打开思路，这是积极的一面。

W＊：为我们介绍一下此次新品吧。

Kensaku Oshiro：”Lemante“的特点是严谨的几何结构，并与空间在进行对话。它是一个由四个维度组成的系统，一个高度创造了材料和颜色的无限组合。在任何环境中它都能变得非常灵活，桌面和底部的两个方位不同的正方形，经过铝结构的连接形成三维结构。几何设计与创建完整的组合系统对我来说非常有趣。

Bottega Veneta

此次Blazy将Bottega Veneta 2023夏季系列秀场空间设计交予Gaetano Pesce进行艺术创作，呈现Vieni A Vedere，意大利语意为“过来看看（Come Take a Look）” ，的独特艺术装置。Pesce告诉我们：“我们用来展示手袋的空间是一个‘小洞穴’。它很狭窄，参观者只能一个一个走过去，无论是地下或地上，你都能找到一条通行的路，这关乎开启设计的新方式。”

除了空间之外，这是Pesce第一次设计手袋，My Dear Mountains和My Dear Prairies两款限量手袋是两座山峰，山后有日出或日落的景象。他希望手袋能表达出一种乐观的视角。也开启了一个传达未来设计的方式——必须是象喻性的、叙事性的，需要一个故事性的内核。以象喻的手法将个人故事融入手袋设计之中，超越了单纯的功能性设计，使手袋在手工艺和创意方面都散发出特立独行的风格。

手袋由Bottega Veneta皮革工匠根据Pesce的手绘草图精心打造，在标志性编织基础上，呈献全新工艺技法。这种创新型工艺技法以独特的美学风格描绘出连绵起伏的山峦和青青草原，营造出令人惊喜和充满顽趣的效果。每一只光泽莹润的Intrecciato编织手袋都采用了Nappa皮革，采用气刷技术以绘制出水彩画里的山峰，并运用精密的钩织技术，用七种不同色调的绿色小牛皮和小羊皮打造出百草丛生的感觉。

Byredo

自创立以来，Byredo通过诸多香氛去承载和演绎记忆与情绪。溯源灵感旧忆，继而创新迭代，创始人兼创意总监Ben Gorham每年都将发起多元的创意策划，通过与来自不同领域的创意人士合作，逐年致敬一款Byredo最受人喜爱的经典香氛，这项年度企划终将激发多元对话，带来全新的视角。今年的米兰设计周期间，Byredo携手尼日利亚裔美国艺术家Dozie Kanu，以Bal d’Afrique热带爵士为灵感溯源，在米兰市中心的旧工业大楼Spazio Maiocchi内开启特展，以融合艺术、历史与设计的当代视角，为这款经典香氛带来全新语境。

事实上，Bal d’Afrique热带爵士对Ben Gorham来说意义非凡，他的父亲曾在非洲旅居15年，这款香氛因此不仅是一场想象之旅、对非洲土地与文化的欢庆，也是Gorham与父亲建立联系的特殊方式。而就此次特别展览，Gorham叙述到：“结合Saman Archive档案馆的摄影藏品，Dozie在米兰家具展上呈现了以Bal d’Afrique热带爵士为灵感的创作，使集体记忆拥有了实体形态。对于我们很多人而言，只有通过别人的记忆，我们才能意识到自己所珍视之物 —— 一个人、一个地方、一段时光。这便是Bal d’Afrique热带爵士，一种源于他人记忆的香味。”

Cassina

Cassina将家居视野正式延展至灯光，所推出的首个照明系列包括Tobia Scarpa、Philippe Starck、Linde Freya Tangelder、Paolo Ulian的设计。事实上，这个系列起源于Cassina所发现的保存在Eames Office的Charles & Ray Eames的照明设计，而后者预计会在2024年推出。在Cassina米兰展厅，法国设计大师Philippe Starck与来自荷兰的后起之秀Linde Freya Tangelder接受我们的专访，为我们深入解读新设计的同时讲述了与品牌的合作。

设计师Philippe Starck

W＊：能否带我们走进VALOR.S台灯和壁灯的创作过程，特别是其有机形态背后的设计动因？

Philippe Starck：我所钟爱的是创造魔法。有两种实现方式，其一，投入大量财力、使用最尖端科技；其二，使用最少的材料。我认为后者更优雅，而就Valor.S而言，则是最极简的呈现。Valor.S由黏土烧制而成，这意味着采用最少、最生态的材料，从无到有的过程是对幻想的重新诠释。最重要的，它体现了科学与数学之美，特别是光学计算的法则。

光就是生命，是一切存在的印证，而人类对光学的研究自恒古以来一脉相承。因此，当你在探索光学时，你也在探索人类的故事。我设计这款台灯时，首先会打造一个弧面，融入反光镜效果，其次我会隐藏光源，最后在两者之间构建支架，确定光线传播的距离。整个过程中没有对文化和艺术的参照，只有科学之美；我是发明家、创造者。

W＊：你曾说过Valor.S系列是对瓦卢瑞斯（Vallauris）的致敬之作。这个南法小镇是如何作为灵感进入Valor.S的故事的？

Philippe Starck：在第二次世界大战后，Pablo Picasso与其他许多艺术家、作家、导演一起定居于此，包括Marc Chagall、Jean Cocteau、Jean Marais、Jean Lurçat、Georges Jouve和Roger Capron。他们在一起饮酒、寻欢，并且带着友好的竞争创作陶瓷器。

Vallauris瓷釉陶瓷的美好如诗歌般纯粹，我自己就收藏有约120件。后来我想，为什么我自己不试一试呢？不过陶瓷制作的工艺非常复杂，我们遇到形状、颜色等方面的诸多问题。我想对当年的Vallauris手工艺人来说，这是一门务实的科学，他们亦是在日复一日的创造中琢磨出了完美的配方。因此，我认为当下生产生态产品的最佳方式无疑是手工与高端科技的混合。

W＊：手绘釉陶的材料和工艺为Valor.S带来了哪些独特品质？

Philippe Starck：当人们潜入海底探寻泰坦尼克号残骸时，会发现唯一的光亮来自船内瓷器对海水的映射。在类似的海难中，瓷器和黄金是唯一的幸存者，它们是纯粹与不朽的象征，是最现代的生态参数。另外，每一件灯具都是手绘的，并不完美，只因人无完人，而那些手工痕迹是对人性之美的见证。当然我们尽量做到完美，这是我想要的。

W＊：你会以哪些关键词来形容Valor.S？

Philippe Starck：来自土壤和人类天才的魔法。

设计师Linde Freya Tangelder

W＊：你在2014年成立了工作室Destroyers/Builders，现位于安特卫普。这个名字有着怎样的由来和含义？

Linde Freya Tangelder：Destroyers/Builders指向设计新事物的过程，那是一场破坏与建造的循环运动，这也是我的设计过程——选择要往哪个方向走，并进行元素的筛选和剔除。另一方面，我一直在思考历史建筑和不同的建筑技术，我的实践也是关于我想在我的设计中记住的历史。创造新事物亦是有关汲取历史的截面，并对其加以重塑，这是一个永无止境的生动过程。

W＊：你通过基于研究的实践与设计过程发展出独特的个人语言，这一点如何反映在Wax, Stone, Light？

Linde Freya Tangelder：的确，我的工作非常强调研究基础，包括对理论和材料的研究。这不仅体现在建筑与艺术作为我的主要灵感来源，也通过我关于材料和物质性的探索而呈现，既如何研发新材料，如何以不同的方式使用材料，等等。

Wax, Stone, Light 的创作始于油蜡雕刻，塑造出生动的纹理结构，这让我想到水和液态材料，我一直着迷于材料从液态变形成为固体的过程。另一个我感兴趣的研究方面是打造块状物一个接一个堆叠的造型，追溯起源便是最古老的建筑方式。

W＊：Wax, Stone, Light的制作过程中采用了哪些技术，又遇到了怎样的困难，并希望能给人们带去怎样的体验？

Linde Freya Tangelder：我首先用蜡制作出一个个块状体，随后经过3D扫描形状和金属模具的制作，最后由Murano的玻璃工匠们吹制而成。这是一个相当复杂和漫长的过程，最难的部分在于这些有机体衔接的部分必须是平整、精确的，因此需要对3D文件进行大量改动，最后也依赖玻璃匠人的精湛技艺得以实现。我希望能使家具行业在雕塑和艺术性方面更进一步；Wax, Stone, Light既实用又具有雕塑感，就像家中的一尊雕塑作品，又以温暖的光芒营造温馨氛围。

cc-tapis

意大利手工地毯品牌cc-tapis在位于米兰市中心Piazza Santo Stefano的展厅中呈现全新设计合作系列，再次以突破性的制毯技术与打破边界的设计概念，呈现地毯令人叹为观止的多样可能性。今年，cc-tapis不仅推出与品牌合作密切的西班牙知名设计师Patricia Urquiola、英国艺术家兼设计师Bethan Laura Wood等的焕新创想，还揭幕了与推崇概念设计的意大利设计工作室Formafantasma的首次合作——Telegram系列。

在研究中，Formafantasma的两位创始人Simone Farresin和Andrea Trimarchi了解到，传统藏式地毯匠人将天然喜马拉雅羊毛毛线挨个打结，首先做出一个矩形，再从中切割出cc-tapis地毯的最终形状，被剪下的“边角料”则在此后被cc-tapis回收，也正是在这些超出设计范围的地方，工匠们常常写下只言片语，自由表达所思所想与独特个性。以这些“边角料”为设计灵感与元素，Telegram系列成为毯匠们、设计师们与最终消费者之间的沟通“电报”。

Formafantasma向地毯工匠们提出一系列随性、有趣的问题，例如“你叫什么名字、你来自哪里、工作时望向窗外可以看到什么、你最喜欢的乐队是......”，而匠人们答案最终呈现在地毯之上——“WELCOMENEPAL”（欢迎来到尼泊尔），“BEAUTIFUL”（美丽），“AC/DC”（来自澳大利亚的著名摇滚乐团），“YES NO”（是 否），还有一些或许是只有匠人们自己才知晓的暗语……

在通常的设计中，地毯上的自由形状是设计师所关注的焦点，而Telegram系列将这一概念翻转，温和低调的配色与简明流畅的形状作为背景或框架，去突出匠人们所传递的信息。由此，这些充满非凡创意与人文关怀的地毯，不仅塑造了设计师主体性与编织者角色之间的全新关系，也如同Formafantasma所说的那样，“消除消费者和制作者之间的信息差”，并最终成为“彼此间对话的开端”。

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana于米兰设计周倾情呈献全新家居主题：DG Logo与Oro 24K，焕新演绎家居系列与四大主题Carretto Siciliano、Blu Mediterraneo、Leopardo以及Zebra诚挚颂赞精湛工艺与意式格调，致敬品牌经典。

同时，新生代设计师项目Gen D是由杜嘉班纳品牌设计师旨在扶植时尚与家居设计领域的青年创意才俊发起的全新项目。策划人Federica Sala从世界各地遴选出十位当代设计新秀，通过领略传统意大利制造精髓，在精心布排中挥洒创意巧思。Gen D项目作为设计师驻地项目，入选的十位设计师自由选择心仪的艺术形式，尽释独到的个人风格，灵动演绎杜嘉班纳的经典元素，展现蓬勃活力、色彩碰撞与怪诞优雅。他们亦将藉由专业知识与自身见解领略多种意大利传统制造工艺，深度体验穆拉诺吹制玻璃、西西里陶瓷、金属、木艺、橱柜制作、赤陶工艺、柳编技艺、精铸熟铁、金属铸件以及罕见的金属珐琅工艺。

Fendi Casa

Fendi Casa的新系列在位于斯卡拉广场的米兰精品店展出，室内设计皆围绕着圆形拱门的建筑元素展开，这已经成为Fendi的标志性主题，象征着根植于古典主义的当代文化。Fendi Casa与Louis Poulsen合作，在经典灯具的基础上推出全新产品。在这次合作中，五款照明设计（包括台灯、掉灯和落地灯）以黄色和棕色为调色板，用Fendi的镜头重新定义灯具，并包括该品牌可识别的Pequin图案。Poul Henningsen于1924年开始与Louis Poulsen合作，一年后Fendi在罗马成立。上世纪20年代是两个品牌的关键十年，是这次合作的起点，以庆祝传统和设计。

Flos

FLOS在米兰国际家具展展位由米兰建筑师二人组Calvi Brambilla设计，展陈空间设计摆脱了大型开放式展台的惯用手法，而是采用了“胶囊”概念——由方向或圆形体积相交形成一系列小型建筑空间，如同微观世界构成的宇宙。在FLOS此次推出的全新产品的设计师中，我们和Philippe Malouin、Ronan Bouroullec和Erwan Bouroullec聊了聊他们与FLOS以及与灯光的关系，以及新作品背后的故事。

设计师Erwan Bouroullec设计的Emi落地灯

设计师Philippe Malouin为FLOS设计的Bilboquet台灯

W＊：新产品第一眼注意到的就是这个金属球和磁铁，这在灯光设计中并不寻常，你能告诉我们更多关于这个形状和材料选择背后的原因吗？

Philippe Malouin：当FLOS邀请我与他们合作时，我立刻想到Achille Castiglioni以及他制作的大量惊人的灯具，其中很多都是可调节的，并且基于简单的机制，利用简单机械来使灯光运动。我有兴趣制作一种不是静态、具有运动性的灯具。在之前的工作中，我曾经使用过滚珠轴承，并发现了磁性球接头。当我发现了磁性球接头时，我认为这是一种非常聪明的方式，通过将反射器磁性地安装到球上，使灯光的运动改变，以便能够获得360度的反射。因此，我选择了抛光金属球，以便将反射器磁性地安装到球上。

设计师Ronan Bouroullec设计的Ceramique台灯

W＊：将灯设计成可调节的三个方向，这相当有趣味性。你是怎么做出这个选择的？

Ronan Bouroullec：我的想法是要创造极度简单的设计，也就是技术非常基础，没有起承转合，非常直接，是一个放在插座上的陶瓷块。近乎回到了某种足够简单的状态。我很喜欢FLOS历史上一些非常标志性的灯具，形状非常醒目，能够引起人们的回忆。我并不想设计一个新的发明，一个新的系统或者什么复杂的东西。我找到了一件非常美丽的东西，让人愿意将它放在书架上、床边或其他位置，非常直接。有时候物品就是非常简单的东西。所以这是一块陶瓷，有三个版本，根据观看的角度、用途和使用方式而定。

GUBI

时隔五年，GUBI再次回归米兰设计周，展示GUBI自2018年以来的成长历程，为全世界的家具爱好者展现在GUBI DNA中的全新元素。本次品牌选址在米兰标志性地点Bagni Misteriosi展示现有的作品以及最新的系列。作为一个文化中心和剧院，Bagni Misteriosi的池畔、露台和经过翻新的内部空间将在展会期间成为沉浸式的GUBI生活方式的展示。

Kartell

作为“Made in Milan”的代名词，Kartell以一系列特别活动配合米兰设计周的联动。位于意大利米兰中心的Kartell旗舰店摇身化为一个Pop Art艺术画廊，参观者可以在此探索Bourgie的一千零一种诠释方式。绚丽多彩的图案迸发出视觉万花筒，装点着台灯极具辨识度的线条轮廓，与定制艺术品、图像展览共同谱写Bourgie遍及艺术世界的版图。

以“Be My Life”为主题，今年Ferruccio Laviani为Kartell带来了新灯具Teresa，台灯好像在温暖的灯光下绽放它的花瓣。Teresa的诞生得益于照明领域的大胆尝新和日益强大的工业成型技术，带来了引人注目的浪漫曲线和硕大体量。此外，Kartell Museo博物馆特设临时展览Luce Viva，从情感和功能的角度，探索Kartell历史上最具诗意的灯具作品。循着一条蜿蜒的路径，25盏来自过去和当下的灯盏与他们背后的创作者构成设计历史的群星闪耀时刻。

Knoll

去年6月，当工业设计师Jonathan Olivares被任命为美国家具品牌Knoll的高级设计副总裁时，整个设计界仿佛迎来了一场潮流转折。自1938年由Hans和Florence Knoll夫妇创立以来，这个品牌一直都在美国设计界扮演着重要角色，Marcel Breuer的“Wassily”椅(1925年)，Ludwig Mies van der Rohe和Lilly Reich的“Barcelona”椅(1929)等经典设计，如今都属于该公司的产品。2021年，Knoll被Herman Miller公司以18亿美元的价格收购，在此之前，这家曾极具开创精神的公司经历了多年的低谷，并一直保持着相对的低调。

随着Olivares的受任，Knoll的支持者们一直等待的整改（和觉醒）似乎也到来了。作为Knoll设计遗产的托管人，Olivares的职责是把控未来Knoll的设计，而他为此制定的计划就是与世界各地的设计师展开合作。在本月的米兰国际家具展上，这些成果将首次亮相，以展现品牌的前进方向和精彩历史，观众们将看到比利时建筑公司Office KGDVS设计的展馆，Piero Lissoni设计的新户外系列，以新尺寸重新发行的Eero Saarinen经典圆桌，以及一系列经典产品的新版本，包括Richard Schultz的1966系列。

“Knoll一直在开辟自己的道路，从家具扩展到建筑和室内设计。”Olivares说，“Knoll的大部分产品都处在‘未完成’状态，也就是说，公司会根据客户选择的颜色、饰面和材料来完成最终的作品。这些品牌特质正是我们需要继续发扬的。”他表示，这个职位最让他兴奋的一点就是，“可以与同事们共同构建起Knoll在室内设计领域的当代愿景，并探索如何实现和表达品牌的文化价值。在最辉煌的时候，Knoll作为一个设计平台，曾敏锐捕捉并催化了建筑和设计的时代精神，因此在我看来，我的职责就是把这种精神延续下去。”此次米兰家具展上的Knoll展馆已经向我们透露了Olivares将如何把品牌融入当下。这个极具动态感的铝加玻璃结构，由Office KGDVS的Kersten Geers和David Van Severen设计，除了Knoll的新产品，其中还将展出Jonathan Muecke创作的艺术品，灵感来自Florence Knoll委托Harry Bertoia为品牌最初的展厅创作的部分艺术品。

Kohler

科勒（KOHLER）在米兰设计周期间展示了“创造者之旅（The Creator's Journey）”，与分别来自四个不同国家的四位当代女艺术家合作，创造了12款全新艺术家版全球限量浴室产品。此外，由美国雕塑家和纤维艺术家Janet Echelman创作的空中雕塑“Noli Timere”亦呈现其中。科勒首席可持续发展和多元化高级官员Laura Kohler表示：“科勒致力于在我们的行业中创造艺术和工艺交汇的空间。这一新的艺术家系列向具有非凡才华和多元背景的女性致敬。”

为了庆祝科勒成立150周年，科勒与四位艺术家合作——Ananda Nahú（巴西）、Ziling Wang（中国）、Pushpa Kumari（印度）与Elle（美国），将其视觉表达带到科勒的产品中——Numi 2.0智能马桶、Brazn水槽和Brazn浴缸。该系列中的每款产品都将提供150件，以此纪念科勒的150周年。

科勒的艺术家系列产品可追溯到近40年前，为日常仪式带来美感——突破装饰工艺和材料套装的界限，帮助消费者在其空间中表达个人风格。艺术家系列水槽、浴缸和马桶的灵感来自将视觉艺术与制造工艺相结合，辅以美丽的质地、复杂的图案、抽象插图和如画的景观。该系列产品还展示了科勒对特殊釉料和贵重材料的创新使用。

Kvadrat

Kvadrat展出来自Ronan Bouroullec的特别装置作品“Paravent（屏风）”，庆祝以设计师标志性绘画为灵感创作的纺织品系列的推出。该系列为Kvadrat面料系列带来了三款图形表达的软装面料。Tero Outdoor、Sone和Alle的特案让人想起Ronan Bouroullec画作的灵动感和色彩细微差别。该系列的颜色探索了与设计师画作相关的色调。从冷淡、深色的色调到更明亮、更轻盈的色调，它们与纺织品丰富的结构相互作用，照亮了引人注目的纱线细节和有趣的调性。

LOEWE

伊辛巴尔迪宫（Palazzo Isimbardichi）持续成为LOEWE罗意威的创意阵地，延伸着LOEWE与创意总监Jonathan Anderson在时装之外对手工艺的关注与呈现。继去年“编织新造 WEE, RESTORE, RENEW”对编篮的聚焦后，2023年的主题“罗意威之椅LOEWE Chairs”将椅子这一最简单、基本的家具作为主角。

LOEWE团队将30把朴实无华的木条椅交由来自世界各地的手工艺者，他们利用编织和装饰技艺，丰富椅子的纹理质感和立体造型。除了品牌惯常使用的材料如皮革和拉菲草，保温毯中的金属箔作为出人意料的选择，也成为了装饰的原料；剪羊毛和毛毡也化为椅子局部的覆盖物，赋予其柔软触感质地。色彩的使用同样别出心裁，它突出了各种材料的妙用，最大限度地颠覆了一把椅子的传统形象，以及随之而来的装饰性改造。此外，比利时公司Vincent Sheppard设计为LOEWE专门打造了8把Lloyd Loom编艺椅，所有椅子均采用独特的Lloyd Loom编艺，以天然纤维和皮革制成，其中一把绘有红底白点的蘑菇图案，由中庭的一组蘑菇装置相呼应。

Loro Piana

从热闹忙碌的街头走进Loro Piana米兰总部（Cortile della Seta），Loro Piana 室内装饰部与阿根廷设计师和艺术家Cristián Mohaded携手打造的特别装置，引领观者步入梦境空间：12座8米高的石塔拔地而起，石块形状各异、棱角分明，其上包覆着Loro Piana室内装饰部往季面料，它们在此获得了第二次生命。而在石塔之间，Mohaded与品牌首个合作项目“Apacheta”的家具错落摆，激起人民对时空之旅的想象。

“Apacheta”被译为“大地之母帕查玛玛的友人”， 在阿根廷北部的安第斯山脉有这样一个古老的仪式，旅行者从平原上携带一块石头，在登上山巅时将其留下，作为对大地之母的敬拜和感恩。随后的数百年间，旅行者们献上一块又一块石头，最后堆叠出巨大的石塔。而Mohaded的Apacheta沙发、扶手椅、长凳、茶几等都有着巨石般不规则的造型，质感柔软的面料与温和优雅的色调则弱化了家具的硬朗线条。

设计师Mohaded故乡Catamarca的庄丽沙漠，成为展厅空间的灵感来源，而织物中运用到的珍贵VICUÑA 骆马绒同样来自这个地区；Apacheta茶几有着陶瓷表面，其形状、红或浅蓝色调以及波光粼粼的纹理，均呼应着阿根廷的泻湖；而与之邂逅的木质元素，作为支撑部件、置物表面或装饰元素，有机地穿插在家具结构之中，以手工雕刻的细节深入对触感的挖掘。在当下的米兰，Mohaded对故国大地的记忆、拉美人民，以及Loro Piana经营顶级纺织品的悠久传统和对天然材料和工艺的热情之间构建了一座桥梁。

Marni

自2016年被任命为Marni创意总监以来，Francesco Risso以古灵精怪与知性致雅相结合的美学，带领品牌进入全新时代，并不断深入在生活方式领域的影响力。本届设计周，Marni与比利时设计品牌SERAX与意大利壁纸品牌LONDONART合作，推出两大联名系列，秉承Marni对于形状、材质和色彩的独特理念，同时突破陈规桎梏，以别出心裁的方式诠释室内设计。

其中，Marni携手SERAX精心设计的“午夜之花”(Midnight Flowers) 系列推出120件精 美陶瓷餐具，饰有以大自然为灵感的别致图案，透过风景如画的框架彰显品牌的多元生活方式理念。LONDONART高端壁纸系列则令人遥想起历年来在Marni成衣系列中大放异彩的复古图案。就这一合作，Francesco Risso表示：“无论是住宅还是用于其他用途的空间，墙壁都是环境的皮肤。我们对这个项目的着手方法，与时装设计一样，都是将我们的设计图与想法转化至表面。壁纸系列的灵感来自于我们为各季系列所打造的印花与图案，蕴含着相同的设计方法与材质。”

Maxalto

近半个世纪以来，Maxalto的故事讲述了一种永恒的优雅态度；既体现了两次战争之间巴黎人民的心境，亦呈献出一种糅合优雅、好客、低调与内涵的生活文化。这也正是Maxalto在2023米兰国际家具展中所呈现出的态度：艺术总监Antonio Citterio将其设计成一个包含一系列独立房间的画廊，通过高高的发光“仿宣纸”墙使之变得与众不同。在这里，品牌最具代表性的产品与精美的装饰及艺术品建立对话。每件作品都为居所打造出一个更丰富、更完善且更具概念性的环境；在这里，设计并非浮夸或体现商业价值，而是自然而然地在个中意义间达到平衡。

Natuzzi Italia

在2023年米兰设计周上，Natuzzi Italia，这个以地中海特色而闻名于世的意大利生活方式品牌，将展示其新系列The Circle of Harmony - Comfortness，其中国际知名的设计师处理了舒适的主题--来自古老的法语单词confort，意思是 \"给予力量的东西\"，这一直是Natuzzi风格的基本要素，也是其历史无可争议的基石。

The Circle of Harmony是在Natuzzi Italia首席品牌官Pasquale Junior Natuzzi的推动下于2020年启动的一个风格探索项目。该项目旨在创建一个实体和虚拟社区，让艺术家、建筑师和设计师规划和想象Natuzzi Italia的风格演变，并将其遗产作为这一旅程的基石。该系列主题持续带来一个可持续发展的新理念，一个要求生活质量的关键因素。

Prada

由Formafantasma策划的多学科研讨会Prada Frames旨在探讨设计与环境之间的复杂联系。2022年，Prada Frames研讨会以“On Forest”为主题于米兰成功举办，今年在米兰国际家具展（Salone del Mobile）期间再次回归。

2023年，Prada Frames米兰研讨会主题为“流动的材料”（Materials in Flux）。Prada欲藉此激发一种反思，这种反思的伦理与美学涵义历经时间的沉淀，根植于品牌实践的核心：创新性回收再生材料的使用，催生独特创意的潜力与低环境影响的生产契机。英国人类学家Tim Ingold认为，物质是相互关联、不断变化的生命体。研讨会主题基于其研究成果，意在审视废弃物的概念，探讨支配废弃物基础设施及其价值体系的动力学，并分析物质与生态系统之间的复杂关系。

Prada Frames于Teatro Filodrammatici歌剧院举办。这是米兰最古老的歌剧院之一，比邻斯卡拉歌剧院和米兰大教堂广场。B&B Italia集团旗下品牌Azucena打造的精品家具与台灯陈设于歌剧院空间。这些标志性作品由建筑师Luigi Caccia Dominioni自1940年代末开始设计。卷宗以此为契机对话设计师组合Formafantasma。

设计师组合Formafantasma

W＊： 关于此次你们与Prada合作呈现的研讨会项目Prada Frames，你们邀请了许多来自不同领域的嘉宾参与，总共分成了Conceptualizing，Contextualizing，Designing，Valuating，Governing，Re-Inhabiting. 这六个板块，能否与我们分享一下这个项目的策展逻辑与思路？

Formafantasma：这个座谈会邀请了很多有才华的人，比如一些著名设计师，著名艺术家。对于 Prada Frames而言，我们做的是尝试选择一个特定的主题，这个主题被称为一个框架。我们也一直想让这个研讨跨越多个领域。所以这个不单纯展示我们的创造力；它更像是围绕这个主题展示很多专业知识，让整个设计变得更丰富。所以它不是关于展示我们的创造力；而是借助信息、思考，以及人类学知识来激发创造力；当然还得到了建筑师、设计师，还有科学家、法律专家、经济学者的帮助，所以它具有跨学科性。

W＊： 你们希望Prada Frames带来什么样的影响？

Formafantasma：对我们来说，希望Prada Frames能成为一种特定文化为社会提供帮助或支持；让人们以跨学科的方式看待事物之间的关系，而不是划分学科界限。当然，我们也希望能启发市民、设计师和建筑师，以及任何可能对这些问题感兴趣的人。我们要关注的是能让人产生共鸣的主题。比如你谈论垃圾，你谈论森林，你谈论的是每个人都关心的话题。我们也努力做到严谨、有内容，我们是认真对待这个项目的。我们的目的不是让它变得简单，而是让它变得更清晰。人们总是试图简化一个事物，我们不想简化，我们想让事物变得清晰。

事实上，我们最喜欢Prada Frames项目的地方是；看到我们的成果能得到人们的认可。人们的反应令人难以置信。虽然现代人非常忙碌，城市中也有无数非常有趣的娱乐活动；但人们仍然愿意来，坐下来听一个半小时的研讨。这个研讨在时间跨度上虽然不长，但我认为它仍具有效益。

Porro

Porro，一个深深烙印在意大利设计工业近百年的品牌。自从Giulio Porro于1925年在布里安扎（Brianza，意大利北部阿尔卑斯山脚下的一个大区）创立以来，品牌代代相传，始终坚持创新和工艺。如今，Giulio的曾孙女Maria Porro担任着品牌的市场和传播总监一职，以其对设计和可持续的大胆远见继续带领着品牌前行。2021年，Porro被任命为米兰家具展主席。孩童时期就经常来看展的她，成为了米兰这一著名展会的首位女性主席，这一时刻有着非凡的历史意义。作为一位先锋人物，她代表的正是新一代设计行业领导者们所倡导的多元、包容与可持续的精神。

在Maria Porro带领下，Porro持续在设计世界有着卓越的表现，斩获无数合作，展览及奖项。在她看来，公司的目标除了创造创新实用的设计，还应该秉持可持续、生态友好，对环境负责的理念。近来，最激动人心的事件之一则是位于米兰Visonti di Modrone大街全新品牌展示空间的开幕。Piero Lissoni所设计的这一全新展示空间，有机结合了现代与经典的风格，最大限度地展现了品牌最新系列的魅力。从这里你能一瞥老米兰的风貌，“建筑原本由砖块、玻璃和金属组合而成的野兽派外立面，爬满了常春藤，非常漂亮”，Porro说。

米兰设计周期间，在品牌米兰的展示空间里，一系列家具依次排开，迎接访客，这也展示了品牌对定制设计的投入和决心。这其中就有GamFratesi所设计的最新版“Romby”扶手椅。“能与GamFratesi合作我感到非常荣幸，”Porro说。“Stine Gam和Enrico Fratesi这对创意伙伴有着不可思议的能量。意大利的一面（Fratesi）与丹麦一面（Gam）的化学反应也很有意思。” 作为他们创意合力成果的展现，“Romby”椅第一次亮相是在2020年，带有一个突出的锥形底座。新版本则采用了更为优雅的、以黑色染色白蜡木制成的四个支脚，来支撑其上的半圆形旋转座椅。圆润的靠背，加上羽翼般的扶手，“Romby”椅展现了平衡的艺术，带来一丝抽象之美，这也正是Porro品牌的精华所在。

Maria Porro对品牌具有前瞻性的规划无疑是激动人心的，带着对创新与可持续的坚持，品牌仍在不断突破想象的边界。她渴望继续带来充满创意的作品，并同时保证高品质与环境友好。在不断寻找创意突破的路上，Porro致力于不断打破设计边界，带来匠心创意、引人向往也令人难忘的作品。她对品牌未来作何规划？“（我们会）不断成长、同时永葆诗意。”

Poltrona Frau

在Poltrona Frau米兰旗舰展厅Palazzo Gallarati Scotti内，2023 Pleasures系列以“悦”之名开启全新创意旅程，透过日常生活中的匠心之物讲述动人故事，传递充沛情感，令现代生活体验更加精彩纷呈。品牌与诸多知名伙伴通力合作，以不同形式充分诠释“悦”理念。

其中，“Pleasure of Rediscovering重温之悦”对Gio Ponti设计的标志性Dezza扶手椅进行重新诠释，采用Redevance印花布艺套面，以Ponti曾悉心研究的生动图案，为隽永经典增添当代魅力与别样风情。“Pleasure of Taking a break休憩之悦”通过Bay System座椅系列得以呈现。Bay System座椅系列由品牌与长期合作伙伴Foster+Partners建筑师事务所联袂呈献，旨在为公共空间和等候区的“短暂停留”注入新意。主要以再生材质制成，包含Bay Gate和Bay Lounge两种不同配置，设计符合人体工学，并融灵活配置、技术特色及舒适体验于一体。

“悦”的另一亮点，是意大利国宝级设计师Roberto Lazzeroni精心打造的DUO系列，以低调优雅的艺术气息，为Poltrona Frau与以木质家具闻名的托斯卡纳品牌Ceccotti Collezioni的强强联手拉开序幕，并为增添别样的生机与活力。在古典与隽永交汇的氛围之中，我们与Lazzeroni展开对话。

设计师Roberto Lazzeroni

W＊：今年Poltrona Frau的新系列围绕“悦”（Pleasure）展开。请问“悦”对你来说意味着什么？

Roberto Lazzeroni：这个系列的理念是创造一些强调美感的东西；美丽创造快乐。

W＊：你以DUO系列诠释“待客之悦”（Pleasure of Welcoming），这些新品有什么特质？

Roberto Lazzeroni：我向Poltrona Frau和Ceccotti Collezioni两家公司提出挑战，要求他们走出舒适区，探索不同的领域；我希望找到处理材料的新方法。比如DUO沙发，代表着对面料的尝试，而Poltrona Frau的主要标志元素师皮革；DUO矮桌，木结构在细节的塑造上，被赋予更女性化、更柔和的造型。另外，DUO柱脚桌极具雕塑感的底座与DUO灯具精致的罗纹装饰灯杆，均体现了最高水平的木匠技艺。

W＊： 你是设计师也是艺术总监，对艺术、设计和建筑的历史拥有广泛而深刻的理解。那么此次DUO系列是否受到来自艺术史的启发？

Roberto Lazzeroni：我的灵感源自上世纪五六十年代的意大利设计。当时正值二战后，整个国家经历了一个充满活力的时期，人们想要重建房屋，重建他们的生活，因此带着巨大的动力去创造新的设计，那也是意大利设计的黄金时代。灵感源自五六十年代，但是产品本身是当代的、全新的。

W＊：从沙发、矮桌、书柜、储物柜，到灯具、饰品，DUO系列共含有15件产品。请问设计这样一个丰富的产品线与设计家具单品的创意过程有着怎样的不同？

Roberto Lazzeroni：这是一个非常聪明的问题。DUO系列反映家居空间的设计理念，如同一个室内设计项目，并且会在未来持续发展，明年将拓展至卧室区域。因为做这个项目花了将近两年的时间，当一些事宜涉及到两个品牌时，我们需要双方达成一致，协同创作显然不是一个简单的过程。

Saint-Louis

Saint-Louis圣路易水晶在米兰在布雷拉区的圣玛利亚·德尔·卡明教堂（Santa Maria del Carmine Church）的回廊中，探索名为Lumières（Lights）的光影展览。该展览讲述了水晶既是材料，是乐器，亦是照明工具；既可以打造出永恒的水晶吊灯，也可以创作出现代化的便携式灯具。Nonotak Studio的两位年轻艺术家Noemi Schipfer和Takami Nakamoto联合设计的兼有照明和发声功能的产品已经成为该工作室的艺术标志。Saint-Louis圣路易水晶—创立于1586的经典品牌，作为第一家在欧洲大陆成立的水晶制造商而言，此次合作也是一次前所未有的创新。

TOD’S

TOD’S 在米兰设计周上与摄影师 Tim Walker合作，呈现“The Art of Craftsmanship”创意影像项目。 一组以图像及影像构成的创意叙事，由此展开。从Di Bag系列包袋到经典的Gommino豆豆鞋，“The Art of Craftsmanship”以一丝戏谑与超现实的视角，回溯TOD’S标志性产品的诞生时刻。皮革裁切、缝制、打磨都是手工工艺制作中的重要工序，而其中工匠们所运用的工具，则是摄影师镜头中的主角。运用当代语言和独到的想象力，Tim Walker赋予这些日常工具令人称奇的生命力。TOD’S集团创始人兼总裁Diego Della Valle先生表示：“意大利生活方式和卓越的手工匠艺是TOD’S的核心价值，通过摄影师Tim Walker的诠释，我们得以用年轻一代的语言向他们传递这些品牌内核。”

摄影：罗立、李冠峤、王雅卉

撰文：马君怡、华睿

编辑：郭嘉铖、全倬冉、杜涵茜

设计：Unroll Studio

部分图片与文字资料由品牌提供